Le DODGE and BURN dans Lightroom 2022

Dans cet article, nous allons découvrir la technique de Dodge and Burn dans Lightroom 2022. Grâce à cette technique, je vais pouvoir sauver une photo très plate  en lui redonnant de la lumière. « Dodge » signifie « éclaircir » en français et « Burn », « assombrir ». Cette technique d’éclaircissement et d’assombrissement bien connue dans Photoshop est également possible dans Lightroom. Ce travail s’accomplira principalement au pinceau en combinaison avec les masques de luminance vus précédemment.

• 00:00 Introduction
• 00:31 Qu’est-ce que le Dodge and Burn
• 01:19 Démonstration sur un cercle rempli en gris moyen 50%
• 06:10 Application sur photo de paysage dont la lumière est absente de l’avant-plan
• 07:10 Égalisation de l’exposition ciel/avant-plan
• 10:00 Création de halos solaires à l’aide de filtre radiaux pour simuler la présence du soleil
• 16:05 Dodge global
• 19:00 Résolution des problèmes de halos
• 21:20 Burn global
• 23:30 Dodge localisé
• 26:45 Burn localisé
• 32:00 Evaluation de la lumière en Noir et Blanc
• 33:00 Résolution des problèmes de halos
• 36:00 Vignetage partiel
• 39:20 Peaufinage réglages globaux
• 40:30 Avant-après
• 41:12 Récapitulatif des opérations
• 42:44 Conclusion

Pour illustrer le principe du Dodge and Burn, donc l’alternance d’ombre et de lumière, j’ai choisi de prendre une sphère grise toute plate. Ensuite, j’appuie sur “K” pour activer l’outil pinceau. Il a une densité de 100 et un débit de 48. Je commence avec le Dodge et, pour cela, j’augmente l’exposition et les hautes lumières. J’agrandis le pinceau à l’aide de la molette et vais peindre sur ma sphère en essayant de faire un arc de cercle. C’est la première phase dite de “Dodge”, donc d’éclaircissement, et je nomme le masque de la même manière.

L’assombrissement déborde du disque. Pour remédier à cela, il faut faire une intersection avec le sujet, qui est ici la sphère grise. L’intersection sert à ne garder que les deux zones qui se rencontrent dans un même sujet. Pour faire apparaître ce bouton Intersection, je clique sur le bouton Soustraire en maintenant Alt ou Ctrl enfoncé. Je choisis ensuite Intersection → Sélectionner un sujet. En conséquence, je n’ai plus l’ombre qui déborde de la sphère.

La photo que j’utilise, prise sur l’île de Skye pendant un stage,  semble être bonne à jeter, ce qui est regrettable. En effet, à ce moment de l’année, le soleil disparaît rapidement derrière l’horizon et tout l’avant-plan de ma photo se retrouve plongé dans l’ombre. Le but va être de simuler le moment où la lumière du soleil était encore présente sur la scène.

Je commence par appliquer les corrections de l’objectif, si ce n’est pas encore fait. Ensuite, dans les réglages de base, je baisse les hautes lumières pour réduire un problème de surexposition. Je débouche les ombres. Le but de ces réglages est de rééquilibrer l’exposition globale avant d’appliquer le Dodge and Burn. Evidemment, le résultat est assez plat, avec uniquement des tons moyens, parce qu’il n’ y a pas de lumière.

Maintenant, nous allons utiliser plusieurs filtres radiaux pour la création du halo solaire.

J’appuie sur Shift + M et je choisis l’ emplacement de mon futur soleil à gauche de mon image. Je maintiens la touche Shift enfoncée pour tracer un cercle parfait. Pour ce premier filtre, je tire le cercle jusqu’au 3/4 de mon image. Je dézoome même pour mieux le visualiser car il doit être très grand. Une fois tracé, j’augmente l’exposition. C’est la raison pour laquelle j’ai préféré baisser légèrement les hautes lumières juste avant ce qui m’évite de grimper directement en surexposition.

Mon premier filtre étant réalisé, je vais le dupliquer afin de créer le deuxième filtre. Pour cela, vous cliquez simplement droit sur la pastille et vous choisissez “Dupliquer le grand halo solaire” au lieu de “Dupliquer le dégradé radial”. Si vous ne dupliquez pas le masque en entier, vous ne pourrez pas appliquer un réglage différent sur cette partie.

Une fois le filtre dupliqué, je le rétréci en maintenant Shift pour que le centre d’origine reste identique au premier. Pour les réglages des curseurs, il faut monter progressivement au niveau de la température car plus vous serez proche du soleil, plus la luminosité sera blanche. Je récupère légèrement les hautes lumières. En effet, il est important de toujours surveiller son histogramme. Je le renomme “Halo solaire moyen”.

Je duplique à nouveau le masque mais en appuyant cette fois sur le bouton représentant trois petits points à côté de celui-ci. Directement, je le renomme “Petit halo solaire” pour plus de facilité. Comme précédemment, je le rétrécis encore par rapport au deuxième filtre. Ici, j’augmente l’exposition beaucoup plus fort.

La combinaison des trois halos simule parfaitement la présence du soleil. Cependant, je vais aller encore plus loin dans la simulation en créant un quatrième filtre que je renomme simplement “Soleil”. Pour celui-ci, je baisse même le contour progressif. En général, il est bien de superposer ainsi trois ou quatre halos afin d’obtenir un résultat plus réaliste.

Pour procéder de manière globale, je crée un pinceau (K) qui sera assez large pour définir de grandes zones. Parce que, si vous travaillez directement sur de petites zones, il faut savoir que cela donne un effet artificiel. Tout d’abord la lumière est diffuse et puis, je vais souligner les crêtes de manière plus précise avec le Dodge and Burn.

Pour commencer, j’augmente l’exposition de 2⁄3 de stop en me plaçant dans la case et j’utilise les flèches du clavier pour monter ou descendre la valeur en tiers de diaphragme. C’est pareil si vous choisissez la valeur en l’ écrivant dans cette case. Je remets le contour progressif à 100 et le débit reste à la moitié pour ne pas peindre trop vite. Ce débit me permet d’insister plus sur certaines zones que d’autres en repassant plusieurs fois au même endroit.

Après le travail de la lumière globale, nous passons au travail global de création des ombres. Pour débuter, je prends un nouveau pinceau et, cette fois, je baisse l’exposition de ⅔ de stop. Je réduis la taille du pinceau et commence à peindre dans toutes les zones de mon image qui sont à contre-jour et qui seraient donc dans l’ombre. Il est important de peindre de manière circulaire pour éviter d’avoir des traits trop définis. Le but est de vraiment détacher visuellement la face gauche de la face droite de la photo.

Tout d’abord, je crée un nouveau pinceau dont j’augmente principalement les blancs et les hautes lumières. Je réduis la taille de celui-ci et vais peindre de manière chirurgicale dans mon image. Si le réglage est trop intense, ce n’est pas grave car on pourra toujours revenir dessus par la suite avec un masque de luminance. Le but va être de peindre sur toutes les zones qui ont déjà reçu de la lumière résiduelle pour les mettre plus en évidence.

J’ajoute également au pinceau un peu de couleur avec le curseur de balance des blancs. Cette technique appelée le Color Dodge influe non seulement sur la luminosité mais également sur la teinte. Elle permet d’éclaircir l’image tout en injectant de la couleur dans celle-ci.

Cela fait, je renomme ce calque “Dodge” et reviendrai dessus plus tard si besoin. J’ai déjà accompli le plus gros du travail.

A l’inverse, maintenant je vais accentuer toutes les zones d’ombre dans mon image. Je crée un nouveau pinceau dont je baisse l’exposition ainsi que le curseur des ombres.

Donc, pour ce masque de luminance, nous allons faire l’inverse du précédent, c’est-à-dire protéger les tons clairs. Je transforme à nouveau le bouton Soustraire en Intersection et je choisis Gamme de luminance. Cette fois, je tire le curseur de droite vers la gauche et tout ce qui apparaît en clair sur mon image est protégé de l’assombrissement.

Ainsi, vous voyez réapparaître sur la photo les détails, donc les hautes lumières, et nous allons les protéger jusqu’à un certain degré. Il faut faire attention à ne pas créer des transitions trop abruptes. Pour cela, vous pouvez toujours avec le curseur de progressivité influer sur le rendu. Je renomme ce calque “Burn”.

A ce stade, j’ai un pinceau Dodge et un pinceau Burn. Le plus gros du travail est fait et je vais simplement améliorer ce qui peut l’être. Pour passer d’un pinceau à l’autre dans mon image, j’appuie simplement sur Alt et je relâche pour en changer. Le fait de sculpter ainsi la lumière est surtout un travail de patience.

Il est temps de vérifier la luminosité de toute l’image afin de voir s’il reste des corrections à apporter. Pour visualiser au mieux la luminosité, la technique recommandée consiste à mettre la photo en noir et blanc afin de ne pas être distrait par la couleur. Il suffit pour cela d’appuyer sur la lettre “V”.

Grâce à mon image en noir et blanc, je constate qu’ elle manque de contraste. Pour y remédier, j’appuie sur “M” et tire un dégradé dans lequel je booste le contraste. J‘appuie sur “J” pour m’assurer qu’il n’y ait pas surexposition car je suis au taquet au niveau des blancs et, en effet, c’est le cas (en rouge sur la photo). Cependant, ce n’est pas trop grave étant donné que je vais protéger le ciel par la suite.

Ensuite, je baisse les noirs jusqu’à l’apparition de bleu dans l’image ce qui signifie qu’il faille revenir légèrement en arrière avec ce curseur. Le résultat me convient pour l’avant-plan et je vais donc soustraire le ciel pour éviter un accroissement de surexposition. Vérifiez votre image en couleur car la montée en contraste s’accompagne toujours de la montée en saturation.

Comme je souhaite obscurcir le haut du ciel, je tire un second dégradé linéaire en partant cette fois du haut de mon image jusqu’à la ligne d’horizon. Je dézoome pour tirer ce dégradé bien en dehors de l’image. Cette technique permet une meilleure progressivité du dégradé. N’hésitez pas à étirer le dégradé pour améliorer la zone de transition. Ensuite, je baisse les hautes lumières.

Afin de créer un dégradé radial, j’appuie sur Shift + M. Mon but est d’assombrir le pourtour de l’image mais pas l’entièreté. De ce fait, je tire le filtre radial en très grand et je ne le place pas comme un vignettage classique mais de façon à vraiment suivre la courbe naturellement présente dans l’image.

Maintenant, je dois inverser cette ellipse en faisant le raccourci clavier ( ‘ ) ou en cochant le bouton Inverser. J’appuie sur la lettre “O” pour voir le masque et, ainsi, savoir s’ il faut l’inverser ou non. Par la suite, je baisse légèrement l’exposition de l’ extérieur de mon ellipse. Cela met en valeur la partie ensoleillée de mon image.

Astuce : Si vous le désirez, vous pouvez ajouter un peu de bleu dans les ombres via une courbe des tonalités en relevant légèrement le point du canal bleu ou encore via l’onglet Color grading.

Voilà comment, grâce au Dodge and Burn, vous pouvez simuler une lumière absente. Evidemment, cela demande pas mal de travail de peinture mais vous avez les outils capables de recréer la lumière. J’espère que cet article sur le Dodge and Burn vous aura ouvert de nouvelles possibilités, surtout par rapport à vos photos un peu fades. Le conseil est toujours le même : mettre en pratique. N’hésitez pas à me laisser un commentaire ci-dessous.